Manche Interviews lesen sich wie ein Song. Die Worte fließen, verdichten sich, öffnen Räume. So ist es mit Penelope Trappes. Ihre Musik ist ein Echo auf das Leben selbst — fragil, zyklisch, transformierend. Mit „A Requiem“ und „Æternum“ hat sie zwei Werke geschaffen, die wie Schwesteralben zwischen Abschied und Ewigkeit stehen. In diesem Gespräch spricht sie über das kreative Loslassen, die Kraft der Verletzlichkeit, die Magie des Cellos und die Notwendigkeit, weibliche Stimmen in jedem Lebensalter sichtbar zu machen.

Was sich entfaltet, ist mehr als ein Interview. Es ist ein poetisches Dokument der Selbstwerdung, ein stilles Manifest für die Freiheit im Klang.

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Mit „A Requiem“ und „„Æternum“ “ hast du zwei Titel gewählt, die zwischen Abschied und Ewigkeit zu schweben scheinen. Gibt es eine übergeordnete Geschichte oder ein Konzept, das diese beiden Werke miteinander verbindet?

Das Leben ist ein zerbrechliches Geschenk. Der zyklische Rhythmus der Jahreszeiten lebt in unseren Körpern, und alle Herausforderungen des Lebens – von der Empfängnis bis zur Ewigkeit – sind in diesen Alben eingebettet.

Die EP „„Æternum“ “ enthält Stücke, die während der „A Requiem“-Sessions entstanden sind. Wann hast du gespürt, dass diese Songs ein eigenes Zuhause brauchen?

Sie haben schon immer ein Zuhause verdient… Nach meiner ersten Tour wurde es deutlicher, dass es andere Energien aus dieser kreativen Phase gab, die das gesamte Erlebnis abrunden mussten. Ich möchte diese Songs auch nicht für zukünftige Arbeiten wieder aufgreifen – sie sollen für immer mit „A Requiem“ verbunden bleiben.

Sowohl „A Requiem“ als auch „Æternum“ kreisen um Verlust, Heilung und Transformation. Du hast einmal gesagt, deine Musik sei ein Geschenk an den Akt des Loslassens. Was bedeutet das für dich – und was hast du durch diesen Prozess über dich selbst gelernt?

Ich erinnere mich seit Jahren daran, „loszulassen“. Ich komme aus einer ziemlich kontrollierenden Familie, was meine persönliche Entwicklung stark gehemmt hat. In meinem kreativen Leben passieren die besten Dinge, wenn ich mich vollständig den höheren Kräften hingebe und die kreative Energie mich leiten lasse – dabei lösen sich viele emotionale Blockaden. Ich habe das Gefühl, eine Energie zu kanalisieren und zu verstärken, die nicht nur mich betrifft, sondern zutiefst menschlich ist. Wenn wir kollektiv unseren Wunsch nach Kontrolle loslassen, können wir uns verwandeln und wachsen. Für diese Möglichkeiten bin ich immer sehr dankbar.

Fällt es dir leicht, zutiefst persönliche Stücke loszulassen und mit der Welt zu teilen?

Ja. Wir alle leben sehr ähnliche Geschichten. Menschen streben nach Glück, Liebe und Frieden. Es gibt so viel Leid auf der Welt – und politische Kräfte nutzen dieses Leid und die Unruhe aus, um uns daran zu hindern, inneren Frieden zu finden. Ich hoffe, dass meine Arbeit anderen den Mut gibt, sich ihren eigenen Dämonen zu stellen und ihre inneren „Engel“ zu entdecken.

Deine Songs sind voller Intimität und Verletzlichkeit. Wie gelingt es dir, diese Zerbrechlichkeit in Klang zu übersetzen – ohne dich dabei selbst zu verlieren?

Ich glaube, ich verliere mich vollständig im Prozess, und ich weiß nicht genau, woher das alles kommt… Ich fühle mich wie ein Kanal – und genau das ist für mich die undefinierbare Schönheit daran.

Während der Sessions hast du viel mit dem Cello experimentiert – obwohl du es nie formell gelernt hast. Ist das Instrument für dich zu einer Art zweiter Stimme geworden?

Im Grunde ja. Allerdings besitze ich noch kein eigenes Cello… Mit der Zeit hoffe ich, dass unsere Vertrautheit und Verbindung tiefer wird und es tatsächlich zu einer meiner wahren Stimmen wird.

Du hast dich bewusst in die Einsamkeit Schottlands zurückgezogen, um deine Musik zu produzieren. Wie hat diese Isolation deinen kreativen Prozess geprägt?

In der Isolation kann ich all das loslassen, was mich von meinem inneren Zweck ablenkt. Kein Lärm, kein Internet. Einfach präsent sein in einer neuen Umgebung mit neuen Klängen, Licht und Schatten. Diese Achtsamkeit hilft mir, langsamer zu werden und mich zu öffnen… Um unmittelbarere Worte und Schwingungen zu kanalisieren.

Deine musikalische Reise begann nach einem tief persönlichen Wendepunkt – der Geburt deiner Tochter. Gleichzeitig hast du erlebt, wie Frauen über 30 oft aus der Musikindustrie ausgeschlossen werden. Was muss sich deiner Meinung nach ändern, damit Künstlerinnen in jeder Lebensphase Raum für kreative Entfaltung finden?

Zunächst einmal sollten Frauen nicht für ihre Entscheidung, ein Kind zu bekommen – oder nicht – verurteilt werden und in allen Aspekten ihrer kreativen Entscheidungen unterstützt werden. Vielleicht sollten wir diesen Akt der Schöpfung wieder mehr verehren… Das Leben ist Magie. Aber letztlich haben Menschen das Recht, so zu leben, wie sie möchten, solange sie anderen nicht schaden. Alle Geschichten sind wichtig. Künstler*innen teilen in der Hoffnung, zu inspirieren – und historisch gesehen tragen feminine Geschichten eine besondere, oft weniger sichtbare kreative Kraft, die heute gleichwertig vertreten sein sollte.

Gab es Orte oder Momente – auf Tour oder irgendwo in der Welt, in deiner Welt – die dich tief berührt haben?

Nach meinem letzten Konzert vor einer Woche kamen viele Menschen zu mir und sagten, sie hätten während meines Auftritts geweint. Ich fühlte mich gedrängt, sie zu umarmen, Verbindung und Heilung zu teilen. Es war wunderschön. Solche tiefen Momente erlebe ich oft. Das war nur der letzte, der mir einfiel.

Was bedeutet dir die Bühne als Ort der Begegnung? Und wie entwickelst du das visuelle und körperliche Konzept deiner Live-Shows?

„Begegnung“ ist ein wunderbares Wort, das fast erklärt, was im Zwischenzustand der Performance geschieht. Alles ist möglich. Das Selbst vom Performer, von der Musik, vom Visuellen zu trennen – und doch alles in Einklang zu bringen… Agnes Haus kreiert Licht und Visuals für die Live-Show, die intuitiv verstärken, was ich während des Auftritts kanalisiere. Wir können miteinander kommunizieren – ich über Klang, sie über Licht – und die Menschen spüren das tief.

Agnes Haus hat viele deiner eindrucksvollen Videos inszeniert – ihre visuelle Sprache und Bewegungskunst sind außergewöhnlich. Wie beeinflusst sie deine musikalische Vision?

Agnes kann im Grunde meine Gedanken lesen. Sie wissen, wie sie auf die Energien zugreifen, die ich heraufbeschwöre. Sie verstehen meine Träume. Wir besprechen meine Visionen im Detail und erschaffen gemeinsam eine verrückte Welt, die sich vor unseren Augen entfaltet… Es sprudelt aus uns heraus mit hundert Meilen pro Stunde – Wellen kreativen Denkens, die mit unseren visuellen Sehnsüchten kollidieren. Wir wollen beide ein Universum erschaffen, das das perfekte Zuhause für meine Musik ist. Es gibt Millionen visueller Ideen, Stunden bewegter Bilder, die zu den Geschichten in meinem Kopf passen – und Agnes versteht und greift das auf.

Was macht deine Zusammenarbeit mit Agnes so besonders – und wie hat sie sich über die Jahre entwickelt?

Wir kennen uns schon so lange und haben so eng an den Visuals gearbeitet, dass wir fast zu einem gemeinsamen Geist geworden sind. Es ist ein bisschen unheimlich, aber wunderschön.

Du hast das Video zu „Sleep“ gemeinsam mit Maxine Peake und Kate Dickie gedreht. Was hat dich an dieser Zusammenarbeit am meisten beeindruckt?

Zuzusehen, wie zwei erfahrene Schauspielerinnen innerhalb von Sekunden tief in ihre Rollen eintauchen, den Raum halten, ihn beherrschen und mit minimaler Regie so kraftvolle Darstellungen liefern – das war überwältigend und unglaublich inspirierend. Außerdem sind beide außergewöhnliche Menschen mit goldenen Herzen, die dem höheren Wohl der Menschheit verpflichtet sind. Wahre Seelenverwandte. Ich liebe sie beide sehr.

Welche Musik begleitet dich in deinem Privatleben – etwas völlig anderes als deine eigene, oder bleibst du in ähnlichen Klangwelten?

In letzter Zeit, da die Welt immer chaotischer wird, tauche ich in schwere und dunkle Klänge ein, um den Lärm der Angst und negativen Energien zu übertönen. Das stärkt mich, gibt mir Hoffnung und erlaubt mir, still zu entlüften – mein Herz zu erweichen, um mit dem unvermeidlichen Licht verbunden zu bleiben.

Kate Bush ließ sich für „Wuthering Heights“ sowohl vom Buch als auch vom Film von Emily Brontë inspirieren. Gibt es ein Buch, Gedicht oder Gemälde, welches du gerne vertonen oder in einem Song verarbeiten würdest?

Im Moment würde ich sagen, dass es kein bestimmtes Kunstwerk gibt… Ich nehme einfach so viel wie möglich von dem auf, was täglich in mein Feld kommt, und trage es in meinem Herzen – sicher gespeichert, bereit, es irgendwann abzurufen… Ich lese ständig und nehme Ideen und Fragmente mit, aber ich konzentriere mich nie gezielt darauf, über das Werk einer anderen Person zu schreiben.

Und zum Schluss: Wenn du dir etwas für die Musikindustrie wünschen könntest – was wäre es?

Gleichberechtigung für alle Kreativen und die Möglichkeit, finanziell von ihrer schöpferischen Kraft getragen zu werden – ohne Gatekeeping.

***Vielen lieben Dank für das tolle Interview.

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Tickets für Berlin – 30.09.2025 – 19:00 in der 8MM Bar : https://www.eventim-light.com/de/a/62bd6d601e5aee6539a5402e/e/68a6fb85ded6182be78ce088?lang=en

*Englische Originalversion*

With „A Requiem“ and „Æternum“ , you chose two titles that seem to hover between farewell and eternity. Is there an overarching story or concept that connects these two works?

Life is a fragile gift. The cyclical nature of the seasons is within our bodies and all of the challenges of life, from conception to eternity, are embedded in these albums.

The EP „Æternum“ contains pieces that emerged during the A Requiem sessions. When did you feel that these songs needed a home of their own?

They always deserved a home…It became more obvious after my first tour that there were other energies from this creative period that needed to bookend the whole experience. I also don’t want to revisit these songs for future work – they need to be forever tied to A Requiem.

Both „A Requiem“ and „Æternum“ revolve around loss, healing, and transformation. You once said your music is a gift to the act of lettin go. What does that mean to you — and what have you learned about yourself through this process?

In this life I have been reminding myself for years to „let go“. I came from quite a controlling family, which stifled so much of my personal development.

So with my creative life, the best things happen to me when I completely surrender to the powers that be and allow creative energy to guide me, unleashing so many emotional blocks. I feel like I have accessed and amplified an energy that is not just about me, but is inherently human, and that we can come together when we allow ourselves to collectively let go of our desire to control – allowing ourselves to transform and grow in life. I am always very thankful for these opportunities

Do you find it easy to let go of deeply personal pieces and share them with the world?

Yes. We all live very similar stories in life. Humans strive to be happy and to find love and peace. There is so much suffering in the world – and political energies capitalise on suffering and unrest, aiming to prevent us from working towards inner peace. I hope that my work gives others the confidence to face their own demons and access their own ‚angels‘ within.

Your songs are full of intimacy and vulnerability. How do you manage to translate fragility into sound — without losing yourself in the process?

I think I fully lose myself in the process, and I’m not exactly sure where it all comes from.. I feel like a channel, which is the undefined beauty for me.

During the sessions, you experimented a lot with the cello — even though you never formally learned it. Has the instrument become a kind of second voice for you?

In essence, yes. However, I still don’t own my own cello… In time, I hope for our comfort and affinity to grow deeper and that, yes, it will be one of my true voices.

You consciously retreated into the solitude of Scotland to produce your music. How did this isolation shape your creative process?

In isolation, I can stop doing everything that distracts me from my inner purpose. No noise, no internet. Just being present in a new environment with new sounds, light, and shadows. This mindfulness helps me to slow down and to become open… To channel more visceral words and vibrations.

Your musical journey began after a deeply personal turning point — the birth of your daughter. At the same time, you experienced how women over 30 are often excluded from the music industry. What do you think needs to change so that female artists can find space for creative expression at every stage of life?

Firstly, Women should not be judged for their decision to have – or not have – a child and should be supported in all aspects of their creative decisions. Perhaps we should return to worshipping this act of creation more… Life is magic. But in the end, people have the right to choose to live how they want, as long as it doesn’t involve hurting others. All stories are important. Artists are sharing in hope to inspire, and historically, femme stories hold a distinctive and less visible creative power that should be equally represented in these times.

Have there been places or moments — on tour or somewhere in the world, in your world — that have touched you deeply?

After my last show a week ago, numerous people came up to me after the show saying that they cried during my performance. I felt compelled to hug them, connect and heal together. It was beautiful. I have these deep moments a lot. That’s just the last one that came to mind.

What does the stage mean to you as a place of encounter? And how do you develop the visual and physical concept of your live shows?

Encounter is a wonderful word that almost explains what happens during the liminal state of performance. All is possible in performance. Separating the self from the performer from the music from the visual, but having them all work in unison…. Agnes Haus creates lighting and visuals for the live show that intuitively enhance what I am accessing during a show. We have the ability to communicate with each other. Me via sound, them via light, and people deeply feel that.

Agnes Haus directed many of your striking videos — Their visual language and movement artistry are extraordinary. How does she influence your musical vision?

Agnes is basically able to read my mind. They know how to access my energies that I am summoning. They understand my dreams. We discuss my visions in detail, and together we create a mad world that unfolds before our very eyes…. It spills out of us at a hundred miles a minute, waves of creative thinking that collide with our visual desires. We both want to make a universe that is the perfect home for my music. There are a million visual ideas, hours of moving imagery, that could match the stories in my head, and Agnes understands and taps into it.

What makes your collaboration with Agnes so special — and how has it evolved over the years?

We have known each other for so long now, and have worked together so closely on visuals that we are almost becoming one mind. It is slightly creepy but beautiful.

You created the video for „Sleep“ together with Maxine Peake and Kate Dickie. What impressed you most about this collaboration?

Watching two consummate actors go deep into character within seconds, holding the space, commanding the space and delivering such powerful performances with very little direction, it was astounding and incredibly inspiring. Also both of these women are phenomenal humans with hearts of gold and aligned to the greater good of humanity. True kindred spirits. I love them both dearly.

What kind of music accompanies you in your private life — something completely different from your own, or do you stay within similar sonic realms?

Lately as the world has been getting more chaotic, I immerse myself in heavy and dark tones to drown out the noise of fear and negative energies. It empowers me and gives me hope and allows me to silently vent – softening my heart to stay connected to the inevitable light.

Kate Bush drew inspiration for „Wuthering Heights“ from both the book and the film by Emily Brontë. Is there a book, poem, or painting you would love to set to music — or write a song about?

Right now, I would say that there isn’t one particular piece of art …. I just absorb as much as possible of what comes into my field each day and carry it in my heart, stored safely, ready to access in time… I read things all the time and take ideas and bits, but never all that focused on writing specifically about another person’s art.

Finally: If you could wish for something in the music industry — what would it be?

Equality for all creators and the capacity to be financially supported by their creative spirits without gatekeeping.

***Thank you so much!!!

Titelbild: Agnes Haus

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