2DCAT habe ich zum ersten Mal live im Leipziger Darkflower erlebt. Seit diesem Abend lässt mich das Duo aus Washington nicht mehr los; sie haben sich in meine Gedanken gefräst, und mein innerer Garten erblüht seitdem in neuen Farben.

Bei 2DCAT etsteht zwischen analogen Schatten, selbstgebauten Synthesizern und vokalen Dramen eine sonische Symbiose, in der Gegensätze faszinierend ineinandergreifen. Technische Präzision und dramatische Emotionalität verstärken sich gegenseitig zu einem Dialog zwischen Maschine und Mensch, getragen von cineastischen Synth-Wänden, tiefen Basslinien und vokaler Wucht.

Ihr Weg führt durch die Schwarze Szene, durch DIY-Ethos, Herztexte, Transformation und die kompromisslose Suche nach Authentizität. Von Deutschland als ehemaliger Wahlheimat über die Energie hiesiger Clubs bis hin zu tiefen Referenzen an Nick Cave und der innigen Liebe zu synthgetriebener Musik: Dieses Interview öffnet den Blick auf zwei Musikschaffende, die mit Lötkolben, Stimme und klarer Vision eigene Klangräume erschaffen. Und ja, KI killt Livemusik. Aber wie genau – das erzählt Johann selbst im Interview.

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Meine Güte, ich habe mich so gefreut, euch endlich live erleben zu dürfen. Eure Tour ist nun vorbei und der Auftritt im Darkflower war unglaublich intensiv. Was bedeutet diese Tour für euch?

Johan: Für mich persönlich bedeutet es unglaublich viel. Ich habe viele Jahre in Deutschland gelebt und bis heute habe ich dort viele Freunde. Eine Zeitlang fühlte sich Deutschland wie etwas Unerreichbares an.

Die hohen Reisekosten bedeuten, dass man mehrere Shows buchen muss, um überhaupt die Kosten zu decken, und da die Mehrheit meiner Freunde in NRW lebt, schien es nie wirklich machbar. Vor so vielen Freunden und meiner gewählten Familie spielen zu können… in vielerlei Hinsicht fühlten sich die Shows in Deutschland mehr wie ein Homecoming an als der Auftritt in Pittsburgh, der Stadt, in der ich geboren wurde.

Gab es einen Moment auf der Tour, der euch besonders herausgefordert und gleichzeitig berührt hat?

Johan: Noch bevor die Tour überhaupt begann, war die Absage des Reborn Festivals definitiv eine der herausforderndsten und stressigsten Phasen meines Lebens. Die beiden Festivalbuchungen hatten unsere Reise nach Deutschland überhaupt erst möglich gemacht, doch die Absage von Reborn versetzte uns für viele Monate in einen Zustand großer Panik – bis sich die Schwarze‑Szene‑Community um einen verzweifelten Facebook‑Post von mir scharte, in dem ich um Hilfe bat. Die Freundlichkeit und die Nachrichten aus der Szene rührten mich zu Tränen, und wir sind sehr dankbar, dass die Szene uns Shows in Leipzig und München vermitteln konnte. Wir sind allen unglaublich dankbar, die geholfen haben, diese Reise möglich zu machen.

Haezl: Als ich zum ersten Mal in Deutschland ankam, hatte ich zunächst Schwierigkeiten mit den kleinen, aber doch spürbaren Unterschieden in der Art, sich fortzubewegen. Obwohl ich eigentlich ein Mensch bin, der gut mit dem Flow geht, gab es einen Moment aus Staunen und Angst, in dem ich dachte, dass ich vielleicht Probleme haben würde, mich in Deutschland zurechtzufinden – doch ich merkte sehr schnell, dass das nicht der Fall sein würde, angesichts der vielen großartigen Menschen im Land, die so hilfsbereit sind. Innerhalb weniger Tage war ich wieder voll auf den Beinen, bereit loszuziehen und zu entdecken. Ich war tief berührt von den Menschen in Deutschland und ihrer Freundlichkeit – sowohl mir gegenüber als auch untereinander. Das ist etwas, das ich überallhin mitnehmen werde.

Was hat euch musikalisch geprägt? – Welche Musikerinnen, Szenen oder Erfahrungen haben euren Sound geformt?

Haezl: Mein Ansatz für das Vocal‑Writing bei 2DCAT begann mit einer bewussten Herausforderung: den klassischen, echten Popsound der frühen 2DCAT‑Songs nachzubilden. Doch wirklicher Schwung kam erst auf, als ich aufhörte zu replizieren und anfing, meine eigene Stimme zu finden – den Track in dem zu verankern, was ich am besten kann. Ich lehne mich stark in ausdrucksstarke, resonante Tiefen hinein und balanciere sie mit weit ausschwingenden Höhen, wobei ich direkt auf meinen opern- und theatergeprägten Hintergrund zurückgreife, um der Musik eine überlebensgroße Präsenz zu geben.

Dieser kompromisslose Ansatz kommt direkt von Singer‑Songwritern, die keinerlei Abkürzungen nehmen – Visionärinnen wie Björk und Ani DiFranco, die die Stimme als authentische, kraftvolle Kraft begreifen. Sie haben gezeigt, dass Vocal‑Writing etwas Wesentliches und Ungefiltertes tragen muss und dass man diese Vision durch jede dynamische Wendung hindurch schützen sollte, statt auf Nummer sicher zu gehen.

Für 2DCAT zu schreiben, bedeutet heute, diese dunklen, kerzenlichtgetränkten Studiosessions mit intensiver dramatischer Größe zu verbinden. Es geht darum, durch kalte, filmische Synth‑Wände und schwere Basslinien zu schneiden – mit Vocal‑Lines, die in der tiefen Lage unheimlich intim wirken und an ihrem Höhepunkt theatralisch und bestimmend sind. Es ist der Klang absoluter Authentizität am Schnittpunkt von dunklem Electronic Pop und ungezügeltem vokalem Drama.

Johan: Ich finde, dass Kite derzeit mit deutlichem Abstand die beste elektronische Musik macht. Andere moderne Musiker, die ich im Moment sehr gerne höre, sind Cold Cave, Linea Aspera, Empathy Test, Paradox Obscur und Kontravoid. Der Großteil der Musik, die ich höre, stammt allerdings aus den späten 70ern bis frühen 90ern: DAF, Suicide, Nick Cave, Front 242, Wolfsheim, Camouflage, Welle:Erdball. Der erste Nachtclub, in den ich je gegangen bin, war tatsächlich in Leipzig – und die meisten meiner Erfahrungen und Freuden sind mit meinen Tagen in der Schwarzen Szene verbunden.

Und was ist die größte Stärke eurer Zusammenarbeit?

Haezl: Die größte Stärke unserer Zusammenarbeit liegt in der Balance zwischen 2DCATs präziser, vintage‑elektronischer Architektur und der rohen, dramatischen Größe, die ich in den vokalen Raum einbringe. 2DCAT erschafft diese unglaublich reichen, dunklen und makellosen analogen Welten – scharfe Synthpop‑Hooks, schwere Basslinien und eine üppige, filmische Atmosphäre. Mein Hintergrund in Oper und Theaterperformance gibt mir die Spannweite und die nötige Spannung, um in diesen Tracks zu leben, ohne von ihnen verschluckt zu werden.

Anstatt gegen die Elektronik anzukämpfen, fungiert meine Stimme als menschlicher Anker. Ich kann in ausdrucksstarke, resonante Tiefen hinabsteigen, um die düstere Produktion zu erden, und dann in ungefilterte, weit ausschwingende Höhen aufbrechen, die direkt durch die Synth‑Wände schneiden. Wir machen bei Energie oder Authentizität keine Kompromisse: 2DCAT liefert die dunkle, treibende Leinwand, und ich bringe die körperliche, dramatische Wahrheit in die Melodie. Diese Spannung – zwischen polierter Maschinenpräzision und ungezügelter vokaler Kraft – ist der Ort, an dem die eigentliche Magie entsteht.

Johan: Ich glaube, dass wir beide sehr zielstrebige Menschen sind, die denselben Wunsch teilen, ständig mehr zu schaffen und uns iterativ gegenüber dem zu verbessern, was wir zuvor gemacht haben. HAEZL bringt mich dazu, ein besserer Musiker, Künstler, Videoeditor oder was auch immer wir an einem bestimmten Tag gerade tun, zu sein – und ich denke, ich treibe sie auf dieselbe Weise an.

Haezl, du hast mir nach dem Konzert erzählt, wie wichtig dir Lyrics sind. Mir sind Lyrics genauso wichtig. Welche Themen ziehen dich immer wieder an?

Haezl: Texte sind das Herz dessen, warum ich überhaupt schreibe. Ein Track kann die unglaublichste Produktion der Welt haben, aber wenn die Lyrics kein echtes emotionales Gewicht tragen, fühlt er sich wie eine leere Hülle an. Ich werde immer wieder zu Themen hingezogen, die in Trauma und im echten Leben verankert sind. Zu denen, die unbequem, roh und kompromisslos sind.

Ich finde mich immer wieder in der Spannung rund um Identität und die Masken, die wir tragen. Ich erforsche die Brüche zwischen dem, wer wir wirklich sind, und den Versionen von uns, die wir der Welt zeigen – und das leise Ringen darum, authentisch zu bleiben, wenn es einfacher wäre, nachzugeben.

Ebenso faszinieren mich Obsession, Sehnsucht und Hingabe in ihren intensivsten Formen. Keine klassischen Liebeslieder, sondern diese verzehrende, filmische Seite von Verbindung, in der Grenzen verschwimmen und Emotion zur Wahrheit wird. Dazu kommt ein ständiger Faden der Verwandlung: Trauer, Wut oder Isolation zu nehmen und sie aktiv in Kraft zu verwandeln. Es geht darum, menschliche Erfahrungen nicht zu umgehen, sondern direkt in sie hineinzugehen und sie in etwas Erhebendes und Triumphierendes zu verwandeln. Unter all dem liegt eine Faszination für verlassene Räume und nachhallende Erinnerungen – das Gefühl, durch Orte zu gehen, mental wie physisch, die einst voller Leben waren und jetzt nur noch Echos tragen. Ich glaube nicht an Abkürzungen mit Worten.

Wie die Autorinnen, die mich inspirieren, sind meine Texte ein Geständnis – und ich hoffe, dass sie jemanden erreichen, der selbst keine Worte dafür hat.

Also mich schon… Und welcher Song haut euch heute noch um, wenn ihr diesen performt – egal wie oft?

Haezl: „Underground“ erwischt mich jedes einzelne Mal. Der Track wurde aus einer ganz spezifischen dunklen Energie heraus geschaffen, und ihn live zu performen fordert mich komplett – auf die bestmögliche Weise. Wenn die tiefen Synths einsetzen, gibt es kein Zurückhalten. Ich starte in diesen tiefen, schweren Registern, in denen sich die Spannung aufbaut, und sobald der Chorus aufbricht, drücke ich meine Stimme in diese opernhaften, weit ausschwingenden Höhen. Der Song verlangt absolute Präsenz. Man kann sich da nicht durchmogeln oder sich hinter der Produktion verstecken. Jedes Mal, wenn wir „Underground“ auf der Bühne spielen, fühlt es sich wie eine vollständige Befreiung an. Die Atmosphäre im Raum verändert sich, der Bass vibriert durch den Boden, und ich kann mich völlig in diesem schattigen Raum verlieren. Es wird nie zur Routine, weil das emotionale Gewicht der Melodie mich zwingt, jede letzte Energiereserve zu geben.

Johan: Momentan bin ich ein großer Fan unseres Blue Rose Edit von „Frames“. Der Song war schon länger einer unserer Favoriten, aber das Original war live immer etwas schwierig einzubauen, weil es eher auf der langsameren Seite war. Dieser Edit war ein Versuch, mehr Energie hineinzubringen, damit er live besser funktioniert – und in vielerlei Hinsicht bevorzuge ich diesen Blue Rose Edit inzwischen sogar gegenüber dem Original.

Haezl, du hast mir auch von deinem Soloprojekt HAEZL erzählt, das dir sehr wichtig ist. Was hat dich dazu bewegt, ein eigenes Projekt zu starten?

Haezl: Mein Soloprojekt ist aus einem grundlegenden Bedürfnis nach vollständiger kreativer Autonomie entstanden. Auch wenn kollaborative Arbeit eine unglaubliche Energie mit sich bringt, kam ich an einen Punkt, an dem ich sehr spezifische, kompromisslose Geschichten erzählen wollte, die nur durch meinen eigenen ungefilterten Sound möglich waren. Ich wollte einen Raum, in dem ich keine gemeinsame Vision ausbalancieren oder die dunkelsten, dramatischsten Ecken meines Schreibens abschwächen muss – einen Raum, der mir erlaubt, mehrere Genres zu erkunden und weitreichendes, immersives Storytelling zu verweben.

Ein Teil dieses Antriebs kommt aus meinem Hintergrund. Ich bin ein Tech‑Mensch aus einer Tech‑Familie, und Systeme für kreative Visionen zu bauen ist die Hälfte dessen, was ich an einem Soloprojekt liebe. Tatsächlich ist es in diesem Bereich manchmal sogar aufregender, diese zugrunde liegenden Strukturen und technischen Workflows zu entwerfen, als die musikalische Seite des Schaffens selbst.

Mein eigenes Projekt zu starten bedeutete, ein eigenes Zuhause für genau diese Spannung zu schaffen: persönliche Isolation, schattige Themen und schweres emotionales Gewicht zu nehmen – und mithilfe von Technologie, genreübergreifender Produktion und Performance in etwas Weitreichendes, Unverblümtes und vollkommen Eigenes zu verwandeln.

Von all euren Songs der beiden Platten und der kommenden EP: Welcher Track hat euch im Entstehungsprozess am meisten gefordert und warum?

Haezl: Der Track, der mich am meisten herausgefordert hat, stammt aus meiner kommenden Solo‑EP „The Electric Universe“. Dieses Projekt zu erschaffen war völlig anders als alles, was ich je zuvor versucht habe, denn es ist nicht einfach eine EP – es ist zugleich ein Konzeptalbum und ein Alternate Reality Game (ARG).

Diese beiden Elemente zu verbinden bedeutete, dass jeder einzelne Track auf mehreren Ebenen gleichzeitig funktionieren musste. Er durfte nicht nur ein fesselndes Musikstück mit starken Vocals und wuchtiger Produktion sein; er musste narrative Fäden tragen, versteckte Codes und systemische Rätsel, die direkt in die Klangstruktur und die Lyrics eingewoben sind. Die technische Konstruktion eines ARG mit dem emotionalen Gewicht und der dramatischen Größe der Musik auszubalancieren, hat mich an meine absoluten Grenzen gebracht.

Eine Klanglandschaft zu entwerfen, die der Geschichte dient, als eigenständiges musikalisches Erlebnis funktioniert und gleichzeitig als interaktives Puzzle agiert, zwang mich dazu, jeden Teil meines Gehirns zu nutzen – von meinem Tech‑ und System‑Background bis hin zu meiner opernhaften stimmlichen Bandbreite. Es war ohne Zweifel eines der komplexesten, herausforderndsten und lohnendsten Projekte, die ich je umgesetzt habe.

Johan: Ich glaube, dass Songs, die schon seit ein paar Monaten „geschrieben“ sind und bereit für den finalen Schritt, am Ende oft die größten Herausforderungen darstellen. Ich baue die meisten Synthesizer, Effekte und anderes Equipment selbst, und manchmal kann das ziemlich fehleranfällig sein. Das bedeutet meistens: Wenn ich einen Song schreibe und wir dann, sagen wir, sieben Monate später beschließen, etwas damit zu machen, stoße ich wahrscheinlich auf Probleme, sobald es darum geht, alles wieder einzurichten und ihn offiziell aufzunehmen.

Das Cover von „The Weeping Song“ war phänomenal, sodass das Publikum es zweimal eingefordert hat. Warum habt ihr diesen Song ausgewählt – und was bedeutet euch Nick Cave?

Haezl: „The Weeping Song“ zu covern war ein Moment, in dem plötzlich alles ineinandergriff. Nick Cave steht für mich immer für eine Meisterklasse in dunklem erzählerischem Storytelling, rohem emotionalem Gewicht und kompromissloser dramatischer Spannung. Es gab außerdem diesen unglaublichen Full‑Circle‑Moment, wie alles begann.

Der allererste HAEZL‑Track, den ich je geschrieben habe, enthielt tatsächlich eine subtile Referenz an einen Nick‑Cave‑Song – genauer gesagt „Tupelo“ – und ich hatte damals keine Ahnung, dass Johan ein riesiger Fan ist. Als er mir erzählte, wie sehr er Nick Cave liebt, bin ich völlig „eingeknickt“ und wusste sofort: Das ist der ultimative Track, den wir gemeinsam angehen müssen. Abgesehen von der gemeinsamen Begeisterung gab mir „The Weeping Song“ den Raum, mich in diese tiefen, resonanten Lagen hineinfallen zu lassen, die Menschen direkt im Bauch treffen. Diese körperliche, tiefregisterige Wucht auf die Bühne bringen zu können – und dann zu erleben, wie das Publikum verlangt, den Song zweimal an einem Abend zu hören – hat bewiesen, dass die dunkle, ungefilterte Energie, die wir beim Machen gespürt haben, genauso angekommen ist, wie sie sollte.

Johan: Sowohl Nick Cave als auch Blixa Bargeld waren für mich riesige Inspirationsquellen. Ich habe sogar ein katzeninspiriertes Einstürzende‑Neubauten‑Tattoo. Besonders die späten Birthday Party-Jahre und die frühen Nick‑Cave‑Phasen waren für mich immer etwas ganz Besonderes; allerdings haben die Kompositionen vieler Songs, die ich versucht habe zu covern, einfach nicht zu meinen Stärken gepasst. Zum Glück ist dieses Cover deutlich besser gelungen als meine früheren Versuche mit „Fifteen Feet of Pure White Snow“, „The Carnival Is Over“ und „Cabin Fever!“

Johan, du als Soundingenieur: Was hält dich am analogen Klang fest – gerade jetzt, wo KI die Musiklandschaft verändert? Und ärgerst du dich auch darüber, wenn du auf KI‑Musik hereinfällst?

Johan: Ich arbeite gern mit selbst auferlegten Einschränkungen. Der Einsatz von Vintage‑Synthesizern entstand aus einer Regel, die ich mir gesetzt hatte: Ich würde nur Synths kaufen, die als „nicht reparierbar“ galten. Das zwang mich dazu, meinen Hintergrund in Elektrotechnik zu nutzen, um einzigartige Lösungen zu entwickeln, auf die Servicetechniker nie gekommen wären. Inzwischen hat sich das weitgehend dahin entwickelt, dass ich im Studio fast ausschließlich Synthesizer benutze, die ich selbst gebaut habe. Für Live‑Auftritte habe ich einen mehrjährigen Plan, kommerzielle Synthesizer komplett auszumustern und durch meine eigenen Designs zu ersetzen.

Was KI betrifft, tut mir unsere heutige Generation leid. Eine ganze Generation von Menschen wird nicht mehr lernen, wie man programmiert, richtige Ingenieursarbeit macht, Systemengineering oder Systemintegration beherrscht. Sie werden Klangsynthetisierung nicht verstehen und keinerlei Verständnis oder Wertschätzung dafür haben, was Kunst zu Kunst macht.

Vor allem anderen bin ich ein Ingenieur, und ich liebe es, Dinge zu erschaffen. Das Endprodukt ist nie das, was mich zufriedenstellt – es ist der Prozess, das Verstehen, das gewonnene Wissen, das das Erschaffen für mich besonders macht. Es macht mich einfach traurig, wie abhängig Menschen von KI werden und wie überzeugt sie davon sind, dass das, was sie generieren, gut ist. Aber aus einer Audio‑ und Ingenieursperspektive ist es ziemlich offensichtlich: Wenn man KI jemandem mit auch nur ein wenig Erfahrung vorsetzt, erkennt man sofort, dass es KI ist.

Nach dem Konzert, lieber Johan, hast du zu „Gottes Tod“ von Das Ich vergnüglich getanzt. Was bedeutet dir dieser Song – und welche Rolle spielt die Darkwave‑ und Coldwave‑Klangästhetik für deinen eigenen musikalischen Hintergrund?

Johan: Ich sollte auch erwähnen, dass ich wie ein Verrückter zu Welle:Erdballs „1000 Weiße Lilien“ getanzt habe. (Ups…hab ich nicht gesehen.) Jedes Mal, wenn ich in der US‑Szene ausgehe, scheint es mehr gitarrenbasierte Industrial‑Musik zu geben, statt der Musik, an die ich gewöhnt war, als ich in Deutschland lebte. Für mich war dieser Club ein Ort, an dem ich endlich wieder zu der synthgetriebenen Musik tanzen konnte, die ich so sehr liebe.

Was Coldwave und Darkwave betrifft: Neben dem Aufwachsen in der Szene waren viele ihrer Ursprünge direkt mit einer Do‑it‑yourself‑Mentalität, niedrigen Budgets und restriktionsgetriebenen Arbeitsweisen verbunden. Während die moderne Szene größtenteils auf VSTs [Virtual Studio Technology] und digitale Synthesizer setzt, habe ich das Gefühl, dass unsere Regeln – „nur nicht reparierbare Synths“ und „nur selbstgebaute Synthesizer“ – direkt an die ursprüngliche Ästhetik und das ursprüngliche Ethos anknüpfen, auch wenn wir klanglich an einem anderen Punkt landen als vieles, was derzeit in der Szene populär ist. Wir sind einfach einen anderen Weg gegangen.

Eure neue EP „We’re Here“ steht kurz bevor. Was bedeutet dir dieser Release – und wohin führt euch euer Weg danach?

Johan: Ich freue mich ziemlich auf den Release. Einige Leute, die gar nicht in der Szene sind, glauben, dass der Track echtes Potenzial hat. Nach „We’re Here“ werden wir wahrscheinlich dazu übergehen, „The Weeping Song“ aufzunehmen und uns danach wieder dem Rest unseres kommenden Albums widmen. Wir haben eine lange Warteschlange an Releases, die wir teilen möchten, und wir freuen uns darauf, dass alle sie hören.

*yeah* Vielen lieben Dank für das tolle und aufschlussreiche Interview.

Wissenswertes:

Ihre neue EP „We’re Here“ erscheint am 21.08.2026.

Wertvoller Link:

Link-Tree: https://links.2dcat.com/

+++English (Original Version)+++

My goodness, I was so thrilled to finally experience you live. Your tour has now come to an end, and your show at Darkflower was incredibly intense. What does this tour mean to you?

Johan: For myself, it means the world to me. I lived in Germany for many years and to this day, I still have many friends there. For a while, Germany felt like something out of reach. The high travel costs mean you need to book a series of shows to break even, and with the majority of my friends being in NRW, it never felt feasible. Being able to play in front of so many friends and chosen family… in many ways, the shows in Germany felt more like a homecoming show than when I actually played in Pittsburgh, the city where I was born.

Was there a moment on the tour that challenged you deeply while also moving you emotionally?

Johan: Prior to the tour kicking off, the cancellation of Reborn Festival was definitely one of the more challenging and stressful periods of my life. Having the two festival bookings made our trip to Germany a reality, although the cancellation of Reborn set us into a high state of panic for many months, until the Schwarze Szene scene rallied around a desperate Facebook post of mine, looking for help. The kindness and the messages of the scene brought me to tears, and we’re very thankful the scene was able to find us bookings in Leipzig and München. We’re very grateful to everyone for helping to make this trip a reality.

Haezl: When I first arrived in Germany, I had trouble with the ever-so slight differences in logistics of getting around. While I am generally go with the flow type of person, I did have a moment of both awe and fear that maybe I would have trouble getting used to getting around in Germany – I quickly realized that I wouldn’t with the amount of amazing people in the country that are ever so helpful. Within days I was quickly on my feet, rocking and ready to explore! I was moved by the German people and their kindness towards myself and each other. That is something I will bring with me wherever I go.

What has shaped you musically? Which musicians, scenes, or experiences have formed your sound?

Haezl: My approach to vocal writing for 2DCAT started with a deliberate challenge: trying to recreate the classic, true pop sound of early 2DCAT. But real momentum came when I stopped replicating and started finding my own voice—grounding the track in what I do best. I lean heavily into expressive, resonant lows and balance them with soaring, expansive highs, drawing directly on my operatic and dramatic background to bring a larger-than-life presence to the music.

That uncompromising edge comes straight from the singer-songwriters who take zero shortcuts—visionaries like Björk and Ani DiFranco, who treat the voice as an authentic, powerful force. They proved that vocal writing needs to carry something vital and unfiltered, protecting that vision through every dynamic shift rather than playing it safe.

Writing for 2DCAT now is about merging those dark, candlelit studio sessions with intense dramatic scale. It’s about carving through cold, cinematic synth walls and heavy basslines with vocal lines that feel hauntingly intimate in the lower register, yet theatrical and commanding at the peak. It’s the sound of finding absolute authenticity at the intersection of dark electronic pop and uninhibited vocal drama.

Johan: I think that Kite is making the best electronic music by a fairly large margin today. Other modern musicians I really enjoy at the moment include Cold Cave, Linea Aspera, Empathy Test, Paradox Obscur, and Kontravoid. A majority of the music I listen to is from the late 70s through the early 90s though: DAF, Suicide, Nick Cave, Front 242, Wolfsheim, Camouflage, Welle:Erdball. The first nightclub I ever went to was actually in Leipzig, and most of my experiences and joys are tied to my days in the Schwarze Szene.

And what would you say is the greatest strength of your collaboration?

Haezl: The greatest strength of our collaboration is the balance between 2DCAT’s precise, vintage electronic architecture and the raw, dramatic scale I bring to the vocal space. 2DCAT builds these incredibly rich, dark, and pristine analog worlds, sharp synthpop hooks, heavy basslines, and lush, cinematic atmosphere. My background in opera and theatrical performance gives me the range and tension to live inside those tracks without getting swallowed by them.

Instead of fighting the electronics, my voice acts as the human anchor. I can drop into those expressive, resonant lows to ground the brooding production, then push into soaring, unfiltered highs that cut straight through the synth walls. We don’t compromise on energy or authenticity: 2DCAT provides the dark, driving canvas, and I bring the visceral, dramatic truth to the melody. That tension—between polished machine precision and uninhibited vocal power that is where the real magic happens.

Johan: I think that we are both very driven individuals who share the same desire to continually do more and iteratively improve upon what we’ve done in the past. HAEZL pushes me to be a better musician, artist, video editor, or whatever role we’re performing for the day, and I like to think I push her in the same way.

Haezl, after the concert you told me how important lyrics are to you — they’re just as important to me. Which themes draw you in again and again?

Haezl: Lyrics are the heart of why I write. A track can have the most incredible production in the world, but if the lyrics don’t carry a weight of true emotional stakes, it feels like an empty shell. I’m constantly pulled back to themes that live in the trauma, and real life. The ones that are uncomfortable, raw, and unapologetic.

I find myself repeatedly drawn to the tension surrounding identity and the masks we wear. exploring the fractures between who we are in the versus the versions of ourselves we present to the world, and the quiet to stay authentic when it’s easier to fold. I’m equally captivated by obsession, longing, and devotion in their most intense forms. Not standard love songs, but that consumed, cinematic side of connection where boundaries blur and emotion become the truth.

There is also a constant thread of transmutation, taking grief, anger, or isolation and actively transforming them into power. It is about processing the human experience not by running from them, but by stepping directly into them and turning them into something soaring and triumphant. Beneath all of it lies a fascination with ghosted spaces and lingering memories: the feeling of walking through places, both mental and physical, that used to be full of life but now hold only echoes.

I don’t believe in taking shortcuts with words. Like the writers who inspire me, my lyrics are a confession, and my hope is they reach someone who doesn’t have the words.

And which song still hits you hard when you perform it — no matter how many times you’ve played it?

Haezl: Underground gets me every single time. It was built from such a specific dark energy, and performing it live takes everything out of me in the best way possible.

When the low synths kick in, there is no holding back. I start in those low, heavy registers where the tension builds, and by the time the chorus breaks open, I am pushing my voice into those operatic, soaring heights. It demands total presence. You cannot fake your way through a song like that or hide behind the production.

Every time we perform Underground on stage, it feels like a complete release. The atmosphere in the room shifts, the bass vibrates through the floor, and I get to completely lose myself in that shadowy space. It never gets routine because the emotional weight of that melody forces me to give every last drop of energy.

Johan: I’m presently a big fan of our Blue Rose edit of „Frames.“ It’s been a favorite of ours for a bit now, but the original has always been a bit difficult to fit into a live show, since it was on the slower side. This edit was an attempt to bring more energy to it, so it’d work better live, and in many ways, I tend to prefer this Blue Rose edit over our original.

Haezl, you also told me about your solo project, which is clearly very meaningful to you. What inspired you to start your own project?

Haezl: My solo project grew out of a fundamental need for complete creative autonomy. While collaborative work brings its own incredible energy, I reached a point where I had specific, uncompromising stories that could only be told through my own unfiltered sound. I wanted a space where I didn’t have to balance a shared vision or dilute the darkest, most dramatic corners of my writing, allowing me to explore multiple genres to weave vast, immersive storytelling.

Part of that pull comes from my background. I am a tech person from a tech family, and building systems for creative visions is half of what I enjoy about having a solo project. In fact, in this particular space at least, designing those underlying structures and technical workflows is sometimes even more thrilling than the music side of creating.

Starting my own project was about creating a dedicated home for that specific tension: taking personal isolation, shadowy themes, and heavy emotional weight, and using both technology, genre-bending production, and performance to turn them into something vast, unapologetic, and completely my own.

Across all your songs — from the two albums and the upcoming EP — which track challenged you the most during its creation, and why?

Haezl: The tracks that challenged me the most has to be one from my upcoming solo EP, The Electric Universe. Building this project has been unlike anything else I have ever attempted because it is not just an EP—it is both a concept album and an alternate reality game (ARG).

Combining those two elements meant every single track had to function on multiple levels at once. It could not just be a compelling piece of music with strong vocals and heavy production; it had to carry narrative threads, hidden codes, and systemic puzzles woven directly into the sonic fabric and lyrics. Balancing the technical construction of an ARG with the emotional weight and dramatic scale of the music pushed me to my absolute limits.

Designing a soundscape that serves the story, holds up as a standalone musical experience, and simultaneously acts as an interactive puzzle forced me to use every part of my brain—from my tech and systems background to my operatic vocal range. It has easily been one of the most complex, challenging, and rewarding projects I have ever taken on.

Johan: I think that songs that have been „written“ and ready for final for a few months tend to turn out to be the most challenging. I build most of the synthesizers, FX, and other gear myself, and at times it can be fairly buggy. It generally means that if I write a song and then, say, seven months later we decide to do something with it, I’m probably going to run into issues when it comes time to set things up again and formally record it.

Your cover of “The Weeping Song” was phenomenal, and the audience demanded it twice. Why did you choose this song — and what does Nick Cave mean to you?

Haezl: Covering „The Weeping Song“ came down to a moment where everything just clicked into place. Nick Cave has always represented this masterclass in dark narrative storytelling, raw emotional weight, and unapologetic dramatic tension.

There was also this incredible full-circle moment with how it all started. The very first HAEZL track I ever wrote actually included a subtle reference to a Nick Cave song—specifically „Tupelo“—and I had no idea at the time that Johan was a massive fan. When he told me how much he loved Nick Cave, I completely „caved“ and knew this was the ultimate track for us to tackle together.

Beyond the shared fandom, „The Weeping Song“ gave me a space to lean into those deep, resonant lows that hit people straight in the gut. Being able to bring that visceral, low-register weight to the stage—and then having the audience demand to hear it twice in one night—proved that the dark, unfiltered energy we felt making it landed exactly as it was meant to.

Johan: Both Nick Cave and Blixa Bargeld have been huge inspirations to me. I even have a cat-inspired Einstürzende Neubauten tattoo! The late Birthday Party and early Nick Cave years in particular have always been something special to me; however, the compositions for many songs I tried to tackle just didn’t work for my strengths. Thankfully, this cover has come along a lot better than what I originally tried when I tackled Fifteen Feet of Pure White Snow, The Carnival Is Over, and Cabin Fever!

Johan, as a sound engineer: What keeps you committed to analog sound, especially now that AI is reshaping the musical landscape? And do you also get annoyed when you accidentally fall for AI‑generated music?

Johan: I like working with self-imposed restrictions. Using vintage synthesizers came from a rule I had where the only synths I would buy were ones deemed „unrepairable,“ which required me to use my background in electrical engineering to come up with unique fixes that service technicians wouldn’t come up with. This has now mostly extended to me really only using synthesizers I build myself for the studio, although for live performances, I have a multi-year plan to phase out commercial synthesizers and replace them with my own designs.

With regards to AI, I feel bad for our current generation. An entire generation of individuals aren’t going to learn how to code, do proper engineering, systems engineering, or system integration. They won’t understand sound synthesis, or have any understanding or appreciation of what makes art, art. Before anything else in the world, I’m an engineer, and I love creating. The final product is never my satisfaction though, it’s the process, the understanding, the gained knowledge that makes creating something special to me. It just saddens me how reliant individuals are becoming on AI, and how convinced they are that what they generate is good. However, from an audio and engineering perspective, if you put AI in front of someone with any amount of experience, it’s fairly obvious what you’re looking at is AI.

After the concert, Johan, you danced joyfully to “Gottes Tod” by Das Ich. What does this song mean to you — and what role does the Darkwave and Coldwave aesthetic play in your own musical background?

Johan: I’ll also note I was dancing like a maniac to Welle:Erdball’s „1000 Weiße Lilien“! Any time I go out in the US scene, it seems like there’s more guitar-based industrial music, rather than the music I was accustomed to when I lived in Germany. For me, that nightclub was a reason to dance to the synth-driven music that I love so much.

With regards to Coldwave and Darkwave, in addition to growing up in the scene, most of its origins were directly tied to a do-it-yourself mentality, low budgets, and restriction-driven approaches. While the modern scene largely relies on VSTs and digital synthesizers, I feel our ‚unrepairable synths only‘ and ’self-built synthesizers‘ rules tie directly into the original aesthetic and ethos, even if sonically we land somewhere different from a lot of what’s currently popular in the scene. We’ve just taken a different path.

Your new EP We’re Here is just around the corner. What does this release mean to you — and where do you see your path leading afterward?

Johan: I’m fairly excited about the release. A number of individuals who aren’t in the scene think it has some real potential. After „We’re Here,“ we’ll probably move on to recording „The Weeping Song,“ and then back to recording the rest of our upcoming album. We have a long queue of releases to share, and we’re excited for everyone to hear them!